Докато художникът от Бахрейн Файка Ал Хасан се подготвяше за „Вселената на един град“ - нейната изложба през 2010 г., която се въртеше около постоянната мобилност на хора, търсещи сигурност и сигурност - тя започна да работи върху картина, която поставя основите за нейното последващо начинание. Arie Amaya-Akkermans гледа на развитието и вдъхновението за поредицата си Not Entirely Red.
Файка Ал Хасан, Без заглавие, от не изцяло червено, 2010 г.
Кръговото движение на четката за рисуване на Faika Al Hassan и червените цветове, които използва, докато рисува Вселената на един град напомнят на художника на феса, традиционната мароканска шапка от османски произход. Оформен или като пресечен конус или къс цилиндър, той е направен или от червен филц, или от килим, и е неразривно свързан не само с родния си град Фес, но и с цялото Мароко. „Започнах да си спомням спомените си за Кайро и колко бях очарован от феса, който често виждах в Хан Ел Халили“, казва Ал Хасан.
Основният сук в ислямския квартал в Кайро, хан Ел Халили, датира от 14 век и осигурява перфектната обстановка за визуализацията на съвременния Близкия изток. Честван в романа на Нагиб Махфуз от 1947 г. „Мидак Алея“, той е пропити с дива еротика, неспокойствие, състояние на постоянно будно състояние и меланхолия на едно отминало полусъстояние и половина, неспособна да премине. Тук също е забележителна историята на феса като единствен обект. За първи път е направен модерен през 17 век от маврите във Фес, а по-късно е въведен в Османската империя през 1826 г., като средство за замяна на традиционния тюрбан. От първоначалната си употреба, свързана с османските военни, фесът се разпространи в цялата империя и извън нея, до Кипър, Гърция, Балканите, както и мюсюлманските общности в Южна Азия, сред другите региони.
Както художникът отбелязва: „те се носеха в знак на уважение
идеята за феса се „втвърди“, докато посетих най-добрия ми приятел миналата година в Дамаск. Възложих на най-добрия майстор в бранша да направи около сто и двадесет фес парчета в традиционния стил и след това да покрия всяко с бялата твърда боя, която е шлифована за покриване на платно. Всичко това се е случило преди въстанието в Сирия и в резултат на безброй експерименти и тестове. След това всички парчета бяха изпратени при мен и по този начин аз започнах пътуването на моята изложба, озаглавена „Не изцяло червено“.
Ал Хасан рисува обекти - в случая изобразява феса в картини и рисува върху фези - не така, че да служат като просто украшение, а с намерението да интерпретира и разбира интервалите около тях. Когато художникът, багдад, обучен икономист по професия, взе уроци по рисуване в Бахрейнското дружество на изкуствата - обичайната пътека за бахрейнските художници при липса на подходяща школа по изкуства - тя започва да експериментира с традиционните жанрове на живописта (т.е. натюрморт и пейзаж), преподавани в арабския свят. Въпреки това, откакто Скрита, първата си самостоятелна изложба през 2007 г. в галерия Albareh, тя разработи особено уникален стил. Той е роман в използването на символизма, лежи някъде между експресионистичното и абстрактното, но въпреки това запазва фигурално качество в използването на деликатните линии и форми. Такива елементи разкриват истинските им форми и извеждат на преден план архетипи, ежедневни предмети и мисли, а не просто образи.
Файка Ал Хасан, Без заглавие, от не изцяло червено, 2010 г.
Традиционното живописно пространство избледнява и се разтваря в себе си в картините на Ал Хасан, с жест, който понякога припомня текстурата на плат, импресионистичните пейзажи и фотографския монтаж. Малките хора, които се появиха във Вселената на един град, в нейното разследване за това как хората оформят пространствата, в които живеят, а не обратното, се появяват отново в „Не изцяло червено“. Художничката признава, че нейните „фигурки“ са изцяло абстрактни и символични и при тяхното наблюдение може да се види класическа, миниатюристка тенденция. „Това бяха малки фигури, представящи тези, споменати в поезията. Използвах собствения си стил и може би несъзнателно бях повлиян от тези миниатюри, тъй като съм запален читател на поезията “.
Относно изчезването на „изобразителното пространство“ в съвременната живопис, френският философ Мишел Фуко отбелязва, позовавайки се на работата на художника-импресионист, Мане:
Той [Мане] направи репрезентативна игра на основните материални елементи на платното. Следователно той измисляше, ако искате, „обект на картина“, „обект на рисуване“ и това без съмнение беше основното условие, така че най-накрая един ден да се освободим от самото представяне и да позволим на пространството да си играе с него чисти и прости свойства, неговите материални свойства."
Пространството върху двуизмерната повърхност на картината е онази оптична илюзия, която сякаш отстъпва назад в дълбочина от равнината на изображението. Тъй като италианският Quattrocento през 15 век, когато изобразителното пространство формално се появи, беше традиция да се накара зрителят да забрави, че триизмерното пространство, вписано в двуизмерна повърхност, е именно това: фрагмент, вграден в материално пространство, Тази оптична илюзия беше постигната чрез обикновена светлина, която идваше от платното и която разчиташе на монокуларна перспектива, която правеше човешкото око в центъра на картината.
Промяна настъпи при Сезан и Мане, когато художниците започнаха да работят и зависят от материалността на физическото пространство, а не от перфектно затворена стая с фиксирани светлинни точки. „Това, което търся, моментално
Една и съща светлина, разпространена навсякъде, една и съща светлина, една и съща светлина “, отбеляза Клод Моне през 1890 г. В крайна сметка този процес напълно се материализира с осъзнаването, че по думите на философа Морис Мерло-Понти„ става невъзможно строго разграничаване между пространството и нещата в пространството “. Космосът вече не е замислен само като повърхност, а като поле, което обхваща цялата физическа вселена; а човешкото око, толкова ограничено, изглеждаше толкова неподходящо устройство, за да го изследва напълно.
Рисуването на предмети в свят на нови, разширени визии се превърна в практика, която се появяваше само бавно и нямаше общо с натюрморта на класическия свят или на холандските художници от 17-ти век. Това е така, защото в тези картини предметите не са били част от композиции, а по-скоро самостоятелни фигури с принцип на самонасочване. Въпросът беше, как човек изолира един обект? Как би изглеждал животът? Окачен? Фиксирана? Прикачен към нещо? Мерло-Понти настоява, че макар картините да приличат на света и предметите в него, те не са предназначени да представляват или приличат на света; по-скоро те трябва да стоят като свои собствени светове.
Файка Ал Хасан, Без заглавие, от не изцяло червено, 2010 г.
Малките обектни светове, които се появяват отново и отново в парчетата в „Не изцяло червено“ на Ал Хасан, отразяват едновременността на мислите, оформени от предмети и предмети, оформени от мислите. Фесът тук не е просто обект, а по-скоро нещо напълно потопено в пространството, в което се появява - огледало на мисълта и противоречието; и противоречието не е ли в основата на всичко, което е богато на човешката мисъл? Боядисаният фес отразява онова, което бихме могли да видим, ако човек може да надникне в мислите на някого с жест, без усилие, колкото да разкрие главата им; въпреки това тези мисли се появяват в свят със споделено значение, където съществуваме заедно с другите - тоест малките фигурки, които характеризират картините на Ал Хасан. „Те се движат заедно в група, или в различни посоки, което означава, че може да не споделят едни и същи мнения или възгледи. Често си задавам въпроса защо хората не живеят спокойно заедно “, казва тя.
Тук няма чисто пространство, което да се вижда или да се съди от разстояние; по-скоро човек трябва да се потопи в картината, да замени просто прилика или представяне - на жена, пейзаж, шапка, каквото и да било - с усещането за преживения си опит: преживяването на един незавършен свят. В същото време обаче изглежда, че има малко или никакъв произвол в работата й. Много мащабните картини - някои от които са високи до четири метра - са съгласувани композиции в еднакви щрихи.
Рядкост е в Близкия изток - и по-специално в Персийския залив - една жена художник да завърши цялото пътешествие от пейзажа и натюрморта до експресионистичните и абстрактни стилове, и въпреки че не е единственият художник от този род в Бахрейн - съществото например в компанията на такива изтъкнати художници като Рашид Ал Халифа, Балкиес Фахро и Омар Ал Рашид - съвременното изкуство от мъничкото островно кралство остава до голяма степен неизказано.
Съвременните картини са като поле от предмети, които се приближават един до друг и чиято цялост е малко вероятно да бъде усвоена с един поглед. Картините изискват много очи, много перспективи, много детайли и асоциации, които носят по-дълбоки взаимоотношения. Това са картините на Файка Ал Хасан и те се появяват като непрекъснато незавършени произведения, породени в момента, в който са гледани. По думите на Мерелау-Понти, „Същност и съществуване, въображаемо и реално, видимо и невидимо - живописта замъглява всичките ни категории, разпръсквайки пред нас мечтаната си вселена от плътски същности, ефикасни прилики, приглушени значения“.
От Ари Амая-Акерман
Първоначално публикуван в ReOrient
