Следвайки стъпките на пионерите на кинетичното изкуство като Вен-Ин Цай, който почина през януари 2013 г., художници от Голям Китай, включително Тайван и Хонконг, все повече експериментират с нови медии. Много от младото поколение работят със софтуер и роботика, за да създадат интерактивни и потапящи кинетични инсталации, които варират от перформативни до участия и всички са изненадващо чудесни примери в изгряващата арт сцена на роботите.
Dimension +
Dimension + е нов творчески екип за медийно изкуство, основан от двама художници от Тайван и Хонконг, Ешер Цай и Кийт Лам. Колективът се фокусира върху сливането на изкуството и технологиите. Техните проекти се фокусират върху вграждането на нови медии в космоса и новите медийни изкуства в индустрията, създавайки междудисциплинарен интерактивен дизайн и подобряване на опита на публиката с взаимодействие. Базиран в дигиталната ера, Dimension + има за цел да преодолее дихотомията между цифровото и физическото, като прехвърля невидимото и цифровото във видим и осезаем елемент, което се постига чрез комбиниране на аналогови и цифрови носители.
Dimension + спечели много международни награди и излага на международни фестивали, изложби и събития, включително в Италия, Австрия, Япония, Пекин, Шанхай, Гуанджоу, Хонконг и Тайван.
Сигнална морфора: Оркестърът е интерактивна и перформативна инсталация, която превръща комуникацията в музикална партитура и дава „живот“ на нематериални (или нематериални) сигнали. Аудиторията е изпълнител и комуникацията се превежда в аудио-визуализации. Група танцьори с чадъри се представят като вид човешки антени, превеждащи или декодиращи комуникационните сигнали, като реагират на получената информация и изпълняват отговора си на нея.
Поредицата от произведения, озаглавена Vertebra наскоро беше представена на фестивала за цифрови изкуства в Тайпе през 2013 г. и в The Innovationists, демонстрира изложба на кинетични и роботизирани изкуства в мола K11 в Хонконг и в Музея за съвременно изкуство в Тайпе. Произведенията използват хартията като основен материал и са репродукции на гръбначни колони, които имат животинската структура и здравина, както и мекотата и гъвкавостта на растенията, създавайки хибриден прототип на „перфектното“ създание.
Ерик Сиу
Ерик Сиу е нов медиен художник в Хонконг, който работи с арт арт, интерактивно изкуство, кинетика, инсталация, видео и анимация. Сега той работи като креативен директор в Great Works Tokyo, рекламна агенция, и е член на управителния съвет на Videotage в Хонконг от 2008 г. През 2005 г. той получава бакалавърска степен по Creative Media от Градския университет в Хонконг и продължава в завърши 12-месечен културен обмен и изследователски проект в Съединените щати. Неговите видео и мултимедийни произведения са изложени по целия свят, включително в институции и семинарни събития за нови медийни изкуства като ZKM Karlsruhe, MOCA Taipei, Transmediale, SIGGRAPH Asia, ISEA, Microwave и други.
Най-популярната му творба Touchy спечели критики и първа награда на WRO 2013, 15-то Международно биенале на медийното изкуство, Вроцлав, Полша и беше представена на Discovery Channel и други международни медийни публикации. Touchy е „човешка камера“ - човек, който носи фотоапарат - който прави снимка, когато се докосне за повече от 10 секунди. Носеното устройство за каски има функциите на камера, състояща се от двойка автоматизирани капаци, работеща камера и интерактивен екран. Touchy през повечето време е сляп зад капаците, а произведението на изкуството всъщност е трансформация на човек в камера. Художникът нарича това произведение „феноменологичен експеримент за социално взаимодействие, който се фокусира върху връзката на даване и получаване, като буквално преобразува човек в камера“. За художника това произведение има за цел да излекува социалните тревоги на дигиталната ера чрез създаване на игриви взаимодействия. В настоящата технологична ера се наблюдава дехуманизация на физическия контакт и социалното взаимодействие все повече се случва виртуално и цифрово. Touchy се справя с тези проблеми, като позволява взаимодействие с непознати, включващи физически контакт и комбинация от човек със социално технологично устройство: камера, която от своя страна е инструмент за споделяне на спомени, моменти, емоции, красота.
Xia Hang
Xia Hang (нар. 1978, Шенян, провинция Ляонин, Китай) започва да рисува, когато е на 10 години и завършва с магистратура по бакалавърска степен от Академията за изящни изкуства Лу Сюн и MFA от отдела за скулптура на Централната художествена академия в Пекин (CAFA). По време на времето си в CAFA, Xia започва да прави скулптури за мъже във формата на запетая от полирана неръждаема стомана, които са предшествениците на настоящите му механични извънземни скулптури.
Xia Hang създаде поредица от извънземни скулптури, които в комплект с механизмите се движат, разтягат и променят формата си с взаимодействието на публиката. Художникът създаде такива интерактивни творби, които за пръв път бяха показани в изложбата му през 2008 г. в Пекин, озаглавена „Моля, не докосвайте (с„ докосването “), зачерквайки това правило за музей и галерия, което забранява да се докосва до произведения на изкуството. Xia Hang почувства, че този вид знак откъсва още повече зрителя и произведенията на изкуството, затова реши да направи произведения на изкуството, които да сближат двете, като скулптурите стават като играчки.
Xia Hang създаде LM1 (Legacy Machine No 1) в сътрудничество с MB&F. Работата е часовник, който запазва всички атрактивни характеристики на джобния часовник от 19 век, вдъхновен оригинален LM1. Версията Xia Hang представя нова функция, под формата на миниатюрна скулптура от неръждаема стомана на човек, който показва резерва на мощността на часовника. 'Г-н. Нагоре ", скулптурата, която седи изправена, когато движението е напълно навито, бавно се трансформира в" Mr. Надолу “, наклонена фигура, когато мощността намалява.
У Сяофей
Ву Xiaofei (Dyson) завършва бакалавърска степен по изобразително изкуство за дизайн в училище за изкуство и дизайн в Batley, Dewsbury College, Обединеното кралство. Понастоящем Ву е базиран в Ченду и изучава традиционното изкуство на рязане на хартия и работи по кинетичен проект. Израснал като младо интровертно момче, Ву имаше страст да разделя нещата и да ги възстановява от нулата. Откриването на неизправност и намирането на решение беше това, което го приближи до разработването на собствените му механични работи. Ву се фокусира върху създаването на измишльотини и кинетични инсталации, които изискват взаимодействието на обществеността и стимулират тяхното любопитство.
Музикалната пишеща машина е пример за интерактивните му инсталации, приканващи млади хора и възрастни да играят с нея. Обикновено използването на пишеща машина е просто писане, което позволява на потребителя да знае какъв е резултатът от натискането на клавишите. В инсталацията на Ву ключовете са свързани с поредица от риболовни линии, свързани с малки чукове. При натискане на клавишите чуковете ще ударят различни предмети, като празни буркани за сос за тестени изделия, консерви, бутилки, фолио, издавайки различни звуци. Връзките са непознати за публиката, което води до непредсказуема звукова експлозия. Понастоящем Ву се опитва да получи финансиране или спонсорство от Ikea, за да подобри проекта и да подобри предисторията си.
Самсон Йънг
Самсон Йънг (нар. 1979) е композитор, звуков и нов медиен художник от Хонконг с почти страховито впечатляващо CV. Той получава бакалавърска степен по музика, философия и джендър изследвания от университета в Сидни през 2002 г. и MPhil по музикална композиция от университета в Хонконг през 2007 г. Има докторска степен по музикален състав от университета в Принстън (САЩ) и е асистент професор по критично интермедиантско изкуство в Училището за творчески медии, Градския университет в Хонконг. Неговите ментори са Чан Хинг-Ян и Пол Лански. Young е излагал и изнасял в международен план, включително Sydney Springs International New Music Festival (Австралия 2001), Canberra International Music Festival (Австралия 2008), ISCM World Music Days (Австралия 2010), MONA FOMA Festival of Music and Art (2011), Microwave Международен фестивал за нови медийни изкуства (HK 2004), наред с много други. През 2007 г. той е първият художник от Хонг Конг, спечелил наградата за бързо изявени артисти с Bloomberg със своя аудио-визуален проект The Happiest Hour.
Въпреки този призив за успех в екстремиса, Йънг също е размишляващ и замислен, черти, които показват в неговите творби. Неговите машини за правене на нищо (2011-2014) е съвкупност от малки електронни обекти, които освен, че се използват за игра, нямат никаква функция или смисъл. Тяхното съществуване доказва как интерактивността може да бъде съблазнителна или дори пристрастяваща, а произведението на изкуството изследва „естетическите удоволствия от взаимодействието човек-машина“ на най-основното му ниво. Соната за пиано № 1 - 14 на Beethoven (Senza Misura) се състои от 47 схеми за отваряне на борда, които функционират като електронни метрономи. Всяко едно от тези малки устройства тиктака и мига, маркирайки темпото от едно от движенията на соната.
Ани Уан
Ани Уан е нов медиен артист от Хонконг. Завършила е бакалавърска степен по творчески медии в градския университет в Хонконг през 2002 г. и магистърска степен по приложни информационни технологии (изкуство и технологии) от Техническия университет в Чалмерс, Швеция, през 2005 г. През 2012 г. получава докторска степен по цифрови изкуства и експериментални медии от Университета във Вашингтон, САЩ. Понастоящем е асистент в училището за комуникация (Академия за филм), баптисткия университет в Хонконг. Уан е излагал в международен мащаб на фестивали, събития и изложби, включително Multimedia Art Asia Asia Pacific Conference 2004 (Сингапур), ZeroOne / ISEA 2006 (Сан Хосе, САЩ), френския павилион на десетото биенале на архитектурата във Венеция. През 2009 г. печели наградата за финалист на Азия Digital Art Awards 2009, Фукуока, Япония.
Работите на Ани Уан се фокусират най-вече върху локални медии, вградена електроника и мрежови системи. Къде е пилето? (2008-2009 г.) е локално обществено произведение на роботиката, подкрепено от Съвета за развитие на изкуствата в Хонконг. Работата функционира като повествователно изпълнение, което е конструирано с взаимодействието на робота, неговото културно специфично местоположение и участващата публика. Въплъщавайки обществено взаимодействие, съвместен разказ, система от автомати и мобилни технологии, работата е механична автоматизация от форма на живот, която не просто симулира реалността, но позволява на обществото да се ангажира с нея и да променя, преобразува и усуква възприемането на такава реалност. Взаимодействайки с инсталацията, публиката си сътрудничи в неговото развитие, както и в продължаването на разказа около представлението. Публиката също помага при съпоставянето на „пилешка карта на града“, споделяйки своя опит с художника.
Шю Рюи-Шиан
Shyu Ruey-Shiann (нар. 1966, Тайпе) понастоящем е базиран между Тайпе и Ню Йорк. Той е изложил в международен план, като Националния музей на изящните изкуства в Тайван и Музея за съвременно изкуство в Тайпе, Музея на изкуствата Челси в Ню Йорк, Хонконгския център за изкуства и Пертския институт за съвременно изкуство в Австралия, наред с други.
Shyu е известен с създаването на механични и кинетични скулптури, стартирани през 1997 г., които използват механичната форма като абстрактен език, който предава своите идеи и чувства към живота, спомените и проблемите, касаещи околната среда, политиката и обществото. Неговите механично сложни творби съдържат до хиляди компоненти, проектирани и изработени от самия художник, но запазват прост външен вид и създават впечатление за простота.
Един вид поведение е най-новата му творба, публична инсталация на открито, която сега е изложена в Музея на изкуствата Бронкс в Ню Йорк до 17 август 2014 г. Инсталацията включва десетки стоманени кофи със същия размер, разпръснати по пода на терасата и вълнообразни към техния собствен индивидуален ритъм. Работата е вдъхновена от квазимеханичното движение на раците-отшелници, чиито бавни движения са в голям контраст със скоростта, с която се движи съвременното общество. Ракът-отшелник също използва миди, изхвърлени от други видове и Shyu вижда това като метафора за нашето човешко състояние. Художникът ни моли да разсъждаваме върху нашата среда и последиците от човешките действия върху природата.
Акибо Лий
Акибо Ли (Ли Минг-дао) е тайвански художник, който се занимава с дигитално изкуство и роботика. Известен е с дизайнерската си работа за индустрията за поп музика в Тайван. Той е излагал широко в целия свят, включително в Хонконг, Китай, Тайван, Сингапур, Япония и САЩ. Лий се занимава с интердисциплинарна работа и създава роботи за разнообразна публика, включително търговска марка, визуално изкуство, изпълнителско изкуство и публично изкуство.
Едно от най-известните му произведения в публичната сфера е BIGPOW, роботизирана инсталация, включваща група от три робота, голям и два по-малки. Игриви и сладки на външен вид, тримата роботи крият интерактивен компонент зад привидно статичните си дизайни. Роботите са метаморфозирано hi-fi оборудване и обществеността може да свърже своите MP3 устройства към тях и да споделя музиката си публично.
Изразявайки любовта си към електронната музика, Лий също е създал два танцуващи робота, Ding и Lulubo. Динг е същество, наподобяващо октопод с осем крака, а Лулубо е женски робот, с красива форма. Двамата роботи са се "изявили" в танцови зали и театър, в Hip Hop и електронни ритми, както и "сътрудничат" с танцови трупи.
От CA Xuan Mai Ardia
